Annelise Gadoury / atelier

Le rendu des visages est particulièrement difficile à faire. J’ai décidé de donner un gros coup de pratique là-dessus cet été et d’en faire une énorme série. Je veux arriver à rendre les visages avec autant de spontanéité (apparemment) que le reste. Je m’attends que ça soit beaucoup de travail avant de trouver ma propre méthode. À ce sujet, j’admire particulièrement Lucian Freud, David Hockney et Francis Bacon, grands maîtres du portrait.

Sur celui-ci j’aime beaucoup le sac de carottes en bas à droite.

"Nathalie au pichet", huile, 12" X 16", 2010

Je préfère ce deuxième visage. Aussi, je crois que j’achève une longue obsession sur le jaune (je ne pensais pas en venir à bout). Je découvre les couleurs!

"Le thé", huile, 12" X 16", 2010

Les natures mortes continuent de m’intéresser, ainsi que les thèmes traditionnels.

Pour le premier tableau, je voulais reproduire fidèlement la réalité. Je veux vraiment maîtriser cette bibitte fascinante qu’est la peinture à l’huile. Je trouve le résultat assez ressemblant, mais le tableau ne transmet pas d’émotion, il est rigide, muet. Mais bon, c’est la première fois que je peins une nature morte.

Les légumes de ce soir, 11/2009

Pour ce deuxième tableau, plus grand (24″ X 36″), je voulais plus d’espace, que ça respire, qu’il y aie des zones presque abstraites, et une touche de jaune. Le grand format fait une grande différence dans la composition d’un tableau et son exécution. Celui-là est un peu plus touchant. Il a aussi une meilleure profondeur. Et le tissu, quel plaisir de peindre du tissu. Ça va revenir.

Nature morte au citron, 01/2010

Je me suis équipée d’un bon chevalet.

"Nature morte au citron" en cours de réalisation

Ça fait un moment que j’en parle, et ça y est, j’ai décidé d’apprendre la peinture à l’huile. C’est sûr que j’ai quand même une base, en dessin, et plusieurs tentatives de peinture il y a longtemps. Mais je ne m’étais jamais lancée comme je le fais maintenant. Je vois ça un peu comme le “miracle de la création”: pas que je suis en train de créer des oeuvres miraculeuses, mais que parfois on dirait que les astres se placent pour que quelque chose arrive, quelque chose qu’on attendait depuis longtemps sans presque plus y croire, et puis un jour après avoir patiemment semé des graines, c’est là.

D’ailleurs je fais une parenthèse, pour insérer un lien vers une conférence excessivement inspirante: “Elizabeth Gilbert on Nurturing Creativity“. Elle est l’auteure de “Eat, pray, love” (que je n’ai pas lu. Devrais-je?).

Aussi, j’ai décidé de mettre en ligne deux études que j’ai fait récemment, et je le fais vraiment pour avoir un point de comparaison pour plus tard. De la part d’une fille qui découvre la peinture, et qui forcément fait une ou deux (ou mille) erreurs. Appelons-ça un bon début.

Étude: Perfect Seal, 09/2009

À propos des thèmes: en ce moment je me concentre beaucoup sur la technique, je suis submergée par la technique. J’ai donc choisi des thèmes, des sujets qui étaient à ma portée, simples. Le résultat est donc vraiment traditionnel. Ça va être appelé à évoluer.

Étude: Jeans et chandail, 10/2009

Le New York Times dresse un portrait intéressant de David Hockney.

Je découvre que David Hockey, agé de 72 ans, s’est toujours intéressé aux technologies, et qu’il fait certains tableaux en utilisant un petit logiciel sur son iPhone (article et photos ici). Aussi, il utilise Photoshop et une tablet Wacom.

Une oeuvre de Hockney réalisée avec Photoshop et imprimée au jet d'encre sur papier

Hockney est surtout connu pour ses portraits, et sa nouvelle passion pour les paysages anglais est vue par certains comme rétrograde (“But David doesn’t give a damn.”). Pour réaliser ces tableaux immenses (certains ont 40 pi de large), il utilise plusieurs supports mis côte à côte, qu’il fait installer sur place.

Ces immenses tableaux seront en exposition à la Royal Academy de Londres, en janvier 2012.

Hockney est aussi l’auteur du livre: “Secret Knowledge: Rediscovering the Lost Techniques of the Old Masters“.

Duane Keiser est un des premiers artistes qui ont adhéré au concept d’une peinture par jour (sur le web). Ses thèmes sont souvent des petits objets du quotidien, rendus avec délicatesse, adresse et sensibilité sur des tableaux de petit format (5 x 6). Ses tableaux sont ensuite vendus sur E-bay.

Comme je suis en train d’apprendre à peindre, j’ai adapté “une peinture par jour” à ma réalité: ça devient “peindre chaque jour”. Cela me permet aussi de travailler sur plusieurs peintures à la fois. Mon objectif est de maîtriser la technique classique de la peinture à l’huile, alors je me concentre sur des thèmes figuratifs, objets, corps humain, portraits. Je vise de produire environ une peinture par semaine.

Duane Keiser: “I’m a painter from Richmond, Virginia. In December of 2004 I decided to make a painting everyday. I made a cigar box easel and carried it with me everywhere I went. When I saw something interesting I would stop to paint it. When the painting was done, I would post to my blog which, at the time, was titled A Painting a Day. My subjects were often everyday scenes which is to say they ranged from the whimsical to the sublime. For me, painting is a meditation on the extraordinary in the ordinary and on the alchemy between paint and subject.”

"Egg 8", par Duane Keiser

Le chevalet "Boîte à cigare" de Duane Keiser

J’aime aussi ses grands formats sur les même thèmes:

Oyster, o/l, 40"x60," 2008, Duane Keiser

Christian Faur : “In my work, I try to mimic these elegant structures of nature by developing systems of my own with which to express my thoughts and ideas, so that the medium and the message appear as one.”

De la série des crayons de cire:

True Color Series Girl 1(detail 1), 2008 Hand cast encaustic crayons 14 x 14 inches

True Color Series Boy 1, 2008 Hand cast encaustic crayons 21x 21 inches

De la série en papier:

"Just Paper", A 78 inch by 48 inch paper sculpture

Un détail de cette série:

1000 Names on Paper, detail

On serait tenté de faire un lien avec le travail de Jérome Fortin:

Et pour revenir à la mosaïque, je viens de tomber sur cette oeuvre de Pedrita, un studio de design de Lisbonne, via we make money not art :

“From the outset 20 years ago, Hirst was always the brilliant ideas man: catch a tiger shark and suspend it in formaldehyde; pin a thousand butterflies to a canvas in the shape of a stain glass window; decorate a real human skull with £14m worth of the finest diamonds. No problem.

So why is he standing in his garden shed, brush in hand, struggling to create another skull in old-fashioned oil paint, rather than modern uber-bling?

As ever with Hirst, death plays a major part in the reasoning.

“You get to an age when you realise you have more time behind you than you have in front of you” he says.

“It dawns on you that you’re not immortal”.

He suggests that the act of painting alone provides a more satisfying and peaceful means of artistic expression than overseeing a production line of luxuries for the super-rich. ”

“Later this month, 25 Hirst works will hang alongside Rembrandts, Poussins and Titians in the Wallace Collection in London.

It will be a debut exhibition for an artist who has shown in galleries from LA to the Ukraine.

He’s resigned to the probable response from art critics. “Oh, they’re going to hate them. Hate them.” he says.

“People are not shocked by animals in formaldehyde any more, but they’re shocked that you’re picking up a brush and a canvas and going backwards”.

As a teenage student in Leeds, he dreamed of being a great painter. But then he discovered Francis Bacon and was overawed, cowed into submission.

“He seemed to have cornered the market,” Hirst says. So he gave up and turned his mind to high-concept art.

Since then, he has always wanted his occupation listed as painter rather than artist.

All his heroes were “the messy painters like Goya and Soutine”, he says. He loved the idea of Turner strapped to the mast of a ship, madly capturing a swirling sunset over the sea.

But the 44-year-old father of three says his biggest ambition these days is to earn the respect of the next generation of young artists.

“I just want kids to think ‘that Damien Hirst, he was really cool.’”

via BBC NEWS et Ugly Blog

Dans le Devoir cette semaine, il y a  une lettre des lecteurs qui reprend cette expression de Nelly Arcan, “burqa intérieure”.

Une belle femme s’est enlevé la vie, étouffée dans sa burqa intérieure. L’expression n’est pas de moi, mais de Nelly Arcan qui disait aussi, pour décrire la prison dorée dans laquelle on enferme les femmes, la burqa de chair. Beauté plastique, chirurgie esthétique, Botox, liposuccion, collagène, blanchiment des dents, orthodontie, teinture, maquillage, etc., ce sont des armes qui tuent. Pour le plaisir des hommes.

J’ai toujours pensé que les belles femmes sont aussi victimes de leur beauté, car elles sont prisonnières de leur image. L’image de la beauté calquée sur le désir masculin. Tout pour plaire aux hommes. Même si cela veut dire ressembler à des jeunes filles en fleurs. Car le désir masculin se dirige tout droit vers la pédophilie, sans le dire. On projette partout l’image de la beauté féminine comme celle d’une jeune fille d’à peine 18 ans.

Les mannequins doivent se soumettre à des régimes alimentaires sévères pour rester, en apparence, jeunes et minces, pour ne pas dire maigres, sans défense. Et les femmes doivent ressembler à ces fillettes, pour suivre la mode.

Tout l’appareillage de la mode inculque le désir malsain de la jeunesse éternelle. Pour les femmes, cela veut dire lutter toute leur vie contre le temps, contre les transformations naturelles du corps féminin que l’on ne veut pas voir. D’où l’expression de Nelly Arcan de burqa intérieure ou de chair. Cette burqa que doivent porter toutes les femmes pour ne pas être vues. On ne veut voir que la jeune fille, à peine majeure, pour sauver les apparences. Pourtant, il y a quelque chose de maladif dans cette idéalisation de la beauté féminine adolescente. Quelque chose de tyrannique. Quelque chose qui tue. (Guy Ferland)

Photo: Candinsky

Une petite collection de Stop motion. On voit plus souvent l’animation Stop motion conçue à partir de plasticine ou de petits objets (legos), celles-ci sont en “peinture in situ”,  les deux suivantes en chair et en os, et les deux dernières en photos … Fascinant!

COMBO a collaborative animation by Blu and David Ellis (2 times loop) from blu on Vimeo.

Du même artiste (Blu):

Her Morning Elegance / Oren Lavie

The Original Human TETRIS Performance by Guillaume Reymond

The PEN Story

“A Wolf Loves Pork”, de Takeuchi Taijin

L’animation qui a inspiré “The PEN Story”

Sorry I’m Late

Via The Art Blog